김규현의 名 합창지휘자들의 해석법 탐구 ⑰
합창지휘자 강기성
대담/ 김규현(前 한국음악비평가협회 회장,
본지주필, 작곡가)
1.합창지휘를 한다는 것은 여러 가지 조건을 갖추었을 때 제대로 할 수 있다고 봅니다. 먼저 진정한 합창하기는 무엇이고 합창을 논한다면 어떤 것일까요.
-사람들이 소통을 많이 얘기합니다. 서로의 조화와 화합을 위해서 소통은 매우 중요한 수단이죠. 서로와의 대화를 통해 이해의 과정이 필요하고 이해와 협력을 통해 조화가 이루어집니다. 합창도 마찬가지입니다. 여러 사람이 함께 노래하여 조화를 이루려면 소통은 필수입니다. 여기서의 소통은 인간적으로 마음이 맞는 것이 첫 번째로 중요하고 그에 못지않게 음악적 소통도 중요한 요소로 작용합니다. 이 둘은 분리되면 안 됩니다. 서로 마음만 좋다고 좋은 음악이 나오는 것도 아니고 반대로 서로간의 안 좋은 감정으로는 좋은 연습과 연주를 위한 조건자체가 불가능함으로 이 또한 좋은 음악이 나올 수 없죠. 다시 말해서 서로를 이해하고 마음이 하나가 될 때 기분 좋은 맘으로 함께 노래를 하게 되고 여기에 음악적인 공감대가 형성이 돼서 노래가 잘 되고 화음이 잘 맞으면 더욱 기분이 좋아지고 친밀해지며 훗날 좋은 음악을 했던 작업들이 추억이 되죠. 결론적으로 합창은 소통의 롤 모델이며 조화의 극치를 보여주는 예입니다.
2.여러 시립합창단들을 지휘했고 지금은 서울바로크싱어즈를 지휘하고 있는데 합창단 성격과 수준에 따라서 선곡을 어떻게 하고 있고 연주회 프로그램 구성을 어떻게 하고 있는지 듣고 싶습니다.
-프로그램 구성은 연주의 성패를 좌우하는 첫 번째 조건이므로 매우 신중해야 합니다. 이는 결코 쉽지 않은 작업이죠. 저는 먼저 연주의 예산과 장소, 관객 등과 관련된 연주의 성격을 생각합니다. 그것에 의해 많은 방향이 정해질 수 있죠. 그 다음 연주할 합창단의 인원과 성격, 수준을 생각하여 연주회 성격에 맞는 적절한 전체 소요시간이 정합니다. 진행상 음악을 몇 부분으로 나누어 연주 할 것인가를 생각하면서 동시에 입 퇴장과 해설의 유무와 중간휴식을 생각하여 음악만의 연주 길이를 유출해 내죠. 그 각각의 주제와 내용은 기승전결을 담고 있어야 좋은 흐름으로 연주를 진행할 수 있죠. 한 가지 추가할 것은 연주의 오프닝과 피날레를 잘 구성해야 한다는 것입니다. 여기에 앙코르까지 생각해야죠. 지금까지의 작업들은 연주 프로그램의 구성을 위한 아웃트라인인데 여기까지 잘 짜 놓으면 이제는 왁구안에 채워 넣기만 하면 되죠. 이것은 본격적인 선곡 작업인데 이 때 통일성과 다양성의 균형이 깨지지 않도록 유의해야 합니다. 먼저 제가 알고 있는 곡에서 생각을 하죠. 좋은 곡이 떠오르면 다행인데 그렇지 않을 경우 집에 있는 악보를 뒤집니다. 이 작업은 좀 고통스럽기 때문에 인내력을 요합니다. 가능하면 지루하지 않으면서 고급스럽고 격조있는 곡이어야 하고 연습과정이 험난하지 않은 곡일수록 좋겠죠. 이런 곡을 찾기 위해 전부터 뒤졌던 곡들을 다시 또 뒤지죠. 템포도 다양하면서 주제에 맞는 통일된 구조가 되게끔 프로그램을 짜야하니까 고민 고민합니다. 언제나 프로그램 짜는 일은 어렵습니다.
3.선곡된 곡을 연주회 전에 어떻게 연구하고 있는지 그 과정을 알고 싶습니다. 악보에 Marking도 하십니까?
-정확히 말해서 선곡이 이루어지기 전에 곡에 대해 어느 정도 알고 있어야 선곡을 할 수 있습니다. 즉 선곡 전에 이미 어느 정도의 연구는 되어져 있을 수 있단 애기입니다. 일단 선곡이 되면 이제는 좀 더 세밀히 곡을 연구합니다. 이것은 어떤 경우에는 합창단과 연습을 하면서 진행될 때도 있죠. 즉, 지휘자도 잘 모르는 곡을 할 때가 있기 때문입니다. 하지만 대개는 평소에 관심 있는 곡들을 선곡을 하게 되므로 이미 알고 있는 경우가 훨씬 많죠. 저는 곡을 연구하기 위해서 먼저 악보를 보고 피아노로 치면서 전체 곡의 윤곽을 파악합니다. 일단 낫선 부분이 없도록 곡에 익숙할 수 있게 여러 번 반복해서 혼자만의 연주를 하죠. 어느 정도 익숙해지면 두 번째 단계로 분석에 들어갑니다. 하지만 분석은 이미 피아노로 치면서 어느 정도 이루어지죠. 마킹도 당연히 피아노로 치면서 곡을 익힐 때 하죠. 이것도 상당부분 피아노를 치는 과정 속에서 자연히 이루어집니다. 곡의 해석은 분석에 근거를 두고 있습니다.
4.작곡가마다 연주기호를 표기하는 사람과 안하는 작곡가들이 있습니다. Tempo, Dynamic, Expression mark등의 유무에 따라서 그 설정이 다르겠지만 무엇을 보고 어떻게 그 기호 설정을 하고 있는지 그 방법을 알고 싶습니다.
-이것을 짧은 지면에 싣기에는 매우 한계가 많습니다. 그래서 단편적인 부분만 가장 간단히 얘기를 해보죠. 작곡자가 악보에 연주를 위한 정보를 많이 적어 놓을수록 연주자는 연주하지가 편하죠. 하지만 그렇지 않았어도 지휘자는 분석을 통해 그 정보들을 찾아내어 악보에 기록합니다. 분석은 전통적인 방법을 사용하죠. 먼저 작품의 시기와 장르 등 일반적인 사항들에 대한 정보는 기본이죠. 예를 들어 독일의 바로크음악인지 낭만음악인지 아니면 미국의 흑인영가인지 하는 기본적인 정보겠죠. 일단 유럽의 전통합창곡 중 바로크합창곡을 이라고 가정해 봅시다. 작곡자가 지정한 내용들이 있다면 그것은 매우 유용한 정보입니다. 하지만 바로크시대에는 곡에 대한 정보가 악보에 거의 없기 때문에 Tempo의 설정부터 고민입니다. 바로크 시대에 가사는 Tempo, Dynamic, Expression의 모든 부분에 가장 중요한 정보입니다. 바로크시대에는 극음악이 매우 발전했으므로 연주할 곡이 극음악의 성격을 띄었는지 아닌지를 파악하는 것이 중요합니다. 그것은 작곡자가 가사를 어떻게 곡에 적용시켰는지를 파악하기 위함인데 극음악적 표현일수록 Tempo는 가사가 갖고 있는 원래의 Sprach Tempo(슈프라흐 템포/말의 속도)에 영향을 받죠. 이해를 돕기 위해 잠간 설명을 하면 Sprach Tempo(슈프라흐 템포)에는 몇 가지가 존재하는데 먼저 Dramatisch Sprach Tempo(드라마티쉬 슈프라흐 템포/극적인 말의 템포)와 Lyrisch Sprach Tempo(리리쉬 슈프라흐 템포/서정시적 템포)가 있고 Dramatisch Sprach Tempo(드라마티쉬 슈프라흐 템포/극적인 말의 템포)에는 Umgang Sprach Tempo(움강 슈프라흐 템포/일상대화체 속도)와 Bühnen Sprach Tempo(뷔넨 슈프라흐 템포/무대에서의 대사를 위한 말의 속도) 등이 있습니다. 성악음악은 작곡자가 가사의 표현을 위해 어떤 뉘앙스로 음악과 가사를 연결했는가를 파악하는 것이 매우 중요합니다. 여기에 전체 곡에 나오는 음표의 빈도수(빈도수가 많을수록 템포는 느려진다)나 화성 변화의 속도(화성의 속도가 빠를수록 템포는 느려진다) 등도 고려되어야 합니다. 음악적 흐름과 가사의 흐름의 가장 적절한 일치점을 찾는 것은 개인적 성격과 감각에 달려 있는데 곡의 전후의 흐름을 생각하면서 현재 시점의 상황을 고려하여 템포를 유출해 내죠. 말로 할 때는 당연하고 쉬운 얘기 같지만 생각보다 그리 만만하진 않습니다. 곡의 강세를 설정할 때도 가사의 억양과 강세를 따르고 선율의 흐름과 화성의 색깔과 리듬구조 등을 파악하여 결정하죠. 이런 얘기는 논문 하나 거리가 될 정도로 분량이 많기 때문에 간단한 서술이 어렵군요, 어쨌든 분석에 근거한 기본적인 해석을 하려고 노력하고 그에 의해 연주 기호들을 적어둡니다.
5.국내 창작곡을 많이 지휘했고 대곡들도 여럿 지휘했는데 해석을 할 때 어느 점에 더 비중을 두고 해석을 하는지 듣고 싶습니다. 그리고 해석 접근시 주관적인지 객관적인지 아니면 절충식 해석을 하는지도 듣고 싶습니다.
-결론적으로 얘기하면 일차로 객관적인 해석으로 표현하려고 애쓰고 그것으로써 감정 표현이 부족할 경우에는 주관적인 해석을 가미한다고 봅니다. 잘 작곡이 된 작품은 주관적인 해석이 없이 악보대로 충실히 연주해도 그 곡을 표현하기 위한 충분한 감정이 생기기 마련이죠. 가끔은 무엇을 표현하려고 했는지 도무지 모르겠는 곡을 연주할 때가 있는데 이럴 땐 임의로 해석을 하게 되는 경우도 있습니다. 그런데 이런 곡은 가급적 연주를 회피하죠.
6.리허설 테크닉에 대해서 듣고 싶습니다. 그 방법을 말씀해 주시고 집중적으로 강조하는 것은 무엇인지요. 연습과정을 알고 싶습니다.
-리허설은 좋은 연주를 위한 중요한 과정입니다. 아무리 작품이 좋아도 잘못된 리허설은 연주를 망칠 수도 있으므로 이를 위한 테크닉 훈련이 필요합니다. 지휘자에게 좋은 리허설을 위한 첫번째 조건은 곡에 대한 정확한 음악적 느낌과 해석력을 갖고 있는 것입니다. 즉 다시 말해서 곡을 잘 알고 있으면 무엇을 어떻게 연습시켜야 할지를 알게 됩니다. 두번째는 훌륭한 지휘 테크닉 이라고 생각합니다. 아무리 곡을 잘 알고 설명을 잘해도 무대 위에서는 모든 단원들이 명료하게 알아 볼 수 있는 작은 동작 하나만이 필요할 뿐입니다. 이 작은 동작은 평소의 리허설을 통해 단원들에게 익숙해져 있어야 하겠죠. 저의 리허설 과정을 잠깐 소개하면 어떤 합창단이냐에 따라 매우 달라지겠지만 시립합창단을 연습시킬 때를 보면 먼저 전체 곡을 여러 번 훑습니다. 전체 윤곽을 알기 위함이죠. 이때 곡을 몰라 진행이 잘 안 되도 인내를 갖고 끝까지 진행하려 애씁니다. 이것을 통해 어디가 어렵고 어디가 쉬우며 세부 파트연습이 필요한 곳과 개인연습이 필요한 곳 등 곡의 완성을 위한 계획이 대충 잡히죠. 그 다음은 필요한 부분 연습들을 하면 됩니다. 불필요한 연습은 연습을 지루하게 만들죠. 반복 연습을 할 땐 이유가 분명해야 합니다. 진행하다가 끊은 경우도 이유가 분명해야 하죠. 왜 끊었는지 왜 반복하는지를 설명 안 해도 모두가 알 수 있을 정도로 연습 진행과 내용이 공감이 되어 있으면 제일 좋죠. 전체를 훑는 과정도 중요하지만 부분 연습을 통해 섬세한 표현을 위한 제시와 연습 또한 매우 중요합니다. 부분연습과 전체연습이 한 쪽으로 치우치지 않도록 적절한 조화를 이루어야 하죠. 합창에 있어서 일체감이 매우 중요한데 이는 소리를 어떻게 제시하고 음가와 악상표현을 어떻게 분명하게 제시하느냐에 달려 있죠. 여기에는 지휘자의 표현 능력과 설명을 얼마나 잘 하느냐 하는 기술적인 문제가 달려 있습니다. 연습 중에 적절한 설명을 효과적으로 함으로써 동기부여를 계속적으로 하는 것은 연습의 흐름에 에너지를 갖게 합니다. 단 지나친 설명은 흐름을 방해하니까 조심해야 하죠. 연주에 임박하여 연습이 어느 정도 잘 되었을 땐 처음부터 끝까지 전체를 마치 연주하듯이 훝어 보는 것도 잊지 않습니다. 최종적으로 다시 한 번 연주를 점검하는 단계이죠.
7.미국의 합창지휘자 Donald neuen은 합창 연주에 있어서 beauty, energe, peacement를 강조한 일이 있습니다. 진정한 합창소리의 미는 어떻게 발성해서 표현접근한 소리라고 생각하십니까?
-기본적인 발성의 원리는 어느 정도는 비슷하다고 보여 집니다. 단 곡의 장르에 의해서 그 곡을 다르게 표현하기 위한 그 곡에 맞는 가장 적절한 소리가 있을 것입니다. 그것을 찾아내는 것이 무척 중요하죠. 일반적으로 복식호흡에 의한 자연스러운 성대울림과 목에 힘을 뺀 상태에서 목을 열고 전두강을 울리도록 포지션을 앞으로 하는 것은 거의 비슷한 발성원리하고 생각합니다. 단지 유럽 전통합창을 위해서는 충분히 열린 깊은 공명의 소리가 더 어울릴 것이고
조금더 파플러한 곡일수록 약간은 직접적인 성대울림을 좀 더 사용하는 것이 어울리겠죠. 중요한 것은 곡에 어울리는 소리를 찾아 모든 단원들이 통일성있게 표현하는 것이 중요하다고 생각합니다.
8.해석하는데 있어서 기존의 DVD, CD, LP 등의 재료들을 어떻게 활용하십니까? 장단점도 있을 텐데요.
-곡을 해석하는데 있어서 미리 DVD, CD, LP 등의 자료들을 접하면 선입견이 생김으로 자신만의 해석을 하는데 장애가 됩니다. 이런 자료들을 보기 전에 곡에 대해서 충분히 연구하고 자신만의 해석을 어느 정도 확립한 후에 자료들을 참고삼아 활용하는 것이 좋습니다. 자신의 해석이 분명치 않은 경우 템포나 기타 음악적인 부분들에 있어서 흔들리는 경우가 많이 있습니다. 남의 해석이 좋은 경우도 있지만 그것을 판단하기 위해서는 자신이 곡을 잘 알고 있어야 하는 것이 필수이겠죠.
9.자신만의 해석 논리를 말한다면 무엇이라고 하시겠습니까? 그리고 자신에게 영향준 사람은 누구이고 Role Model은 누구였는지 듣고 싶습니다.
-자연스러움을 먼저 꼽고 싶습니다. 극단적인 해석은 작품을 부자연스럽게 만들 수 있죠. 이를테면 가사의 특징을 살린 강세표현이나 템포들도 너무 지나치지 않게 설정을 하여 가장 자연스럽게 표현되도록 하는 겁니다. 두 번째는 음악적 흐름입니다. 음악이 흐른다고 하는 것은 변화한다는 말인데 변화란 에너지가 움직이는 것이죠. 다시 말해서 4박자의 곡은 강,약,중강,약의 흐름을 유지해야 에너지가 생기고 각 각의 강,약,중강,약은 또 다른 느낌의 그 다음의 강,약,중강,약으로 진행해야 됩니다. 세 번째로 곡의 흥미입니다. 아무리 논리가 있어도 흥미롭지 못하다면 재미가 없죠. 감정에 자극이 되도록 곡을 만들어 가는 것은 매우 중요한 마지막 해석의 단계가 아닐까요? 스승인 Frieder Bernius는 독일 유학을 하면서 만하임 국립음대에서 만났습니다. 1988년에 한국에서 세계합창제에 슈트트가르트 캄머코어를 이끌고 예술의 전당에서 연주할 때 관객으로 보면서 정말 잘한단 생각을 했는데 독일에서 나의 스승이 되신거죠. 음악적인 많은 부분을 배울 수 있었고 그 분이 이끄는 합창단도 매우 멋진 단체입니다. 이것들은 나의 동경의 대상이고 하나의 롤 모델이죠.
10.끝으로 합창지휘 철학을 듣고 싶습니다. 자신에게 합창과 지휘는 무엇이고 어떤 지휘자의 모습을 보여 주고 싶습니까?
-합창은 나의 음악의 표현입니다. 하나의 삶의 표현이고 드라마이고 현실에서 이루지 못한 꿈의 완성입니다. 지휘를 통해 다양한 여러 가지 작품을 연주하면서 가보지 못한 여정을 하게 되죠. 이것에는 희열과 기쁨과 환희가 있고 슬픔과 갈등과 애환 그리고 사랑이 있으며 삶과 죽음도 있습니다. 이런 모든 것이 합창 안에 있고 그것을 지휘로 표현하며 느끼고 누립니다. 지휘와 나는 실과 바늘이죠. 늘 함께하며 함께 할 때 의미가 생기고 존재가치가 생기죠. 마지막으로 이 모든 것은 하나님께로부터 왔다고 생각합니다. 그래서 아름다운 합창은 하나님을 찬양하는 것이라고 생각합니다. 저는 최고의 합창을 위해 노력하고 그것을 통해 하나님을 찬양하는 지휘자가 되고 싶습니다.
김규현의 名 합창지휘자들의 해석법 탐구 ⑰
합창지휘자 강기성
대담/ 김규현(前 한국음악비평가협회 회장,
본지주필, 작곡가)
1.합창지휘를 한다는 것은 여러 가지 조건을 갖추었을 때 제대로 할 수 있다고 봅니다. 먼저 진정한 합창하기는 무엇이고 합창을 논한다면 어떤 것일까요.
-사람들이 소통을 많이 얘기합니다. 서로의 조화와 화합을 위해서 소통은 매우 중요한 수단이죠. 서로와의 대화를 통해 이해의 과정이 필요하고 이해와 협력을 통해 조화가 이루어집니다. 합창도 마찬가지입니다. 여러 사람이 함께 노래하여 조화를 이루려면 소통은 필수입니다. 여기서의 소통은 인간적으로 마음이 맞는 것이 첫 번째로 중요하고 그에 못지않게 음악적 소통도 중요한 요소로 작용합니다. 이 둘은 분리되면 안 됩니다. 서로 마음만 좋다고 좋은 음악이 나오는 것도 아니고 반대로 서로간의 안 좋은 감정으로는 좋은 연습과 연주를 위한 조건자체가 불가능함으로 이 또한 좋은 음악이 나올 수 없죠. 다시 말해서 서로를 이해하고 마음이 하나가 될 때 기분 좋은 맘으로 함께 노래를 하게 되고 여기에 음악적인 공감대가 형성이 돼서 노래가 잘 되고 화음이 잘 맞으면 더욱 기분이 좋아지고 친밀해지며 훗날 좋은 음악을 했던 작업들이 추억이 되죠. 결론적으로 합창은 소통의 롤 모델이며 조화의 극치를 보여주는 예입니다.
2.여러 시립합창단들을 지휘했고 지금은 서울바로크싱어즈를 지휘하고 있는데 합창단 성격과 수준에 따라서 선곡을 어떻게 하고 있고 연주회 프로그램 구성을 어떻게 하고 있는지 듣고 싶습니다.
-프로그램 구성은 연주의 성패를 좌우하는 첫 번째 조건이므로 매우 신중해야 합니다. 이는 결코 쉽지 않은 작업이죠. 저는 먼저 연주의 예산과 장소, 관객 등과 관련된 연주의 성격을 생각합니다. 그것에 의해 많은 방향이 정해질 수 있죠. 그 다음 연주할 합창단의 인원과 성격, 수준을 생각하여 연주회 성격에 맞는 적절한 전체 소요시간이 정합니다. 진행상 음악을 몇 부분으로 나누어 연주 할 것인가를 생각하면서 동시에 입 퇴장과 해설의 유무와 중간휴식을 생각하여 음악만의 연주 길이를 유출해 내죠. 그 각각의 주제와 내용은 기승전결을 담고 있어야 좋은 흐름으로 연주를 진행할 수 있죠. 한 가지 추가할 것은 연주의 오프닝과 피날레를 잘 구성해야 한다는 것입니다. 여기에 앙코르까지 생각해야죠. 지금까지의 작업들은 연주 프로그램의 구성을 위한 아웃트라인인데 여기까지 잘 짜 놓으면 이제는 왁구안에 채워 넣기만 하면 되죠. 이것은 본격적인 선곡 작업인데 이 때 통일성과 다양성의 균형이 깨지지 않도록 유의해야 합니다. 먼저 제가 알고 있는 곡에서 생각을 하죠. 좋은 곡이 떠오르면 다행인데 그렇지 않을 경우 집에 있는 악보를 뒤집니다. 이 작업은 좀 고통스럽기 때문에 인내력을 요합니다. 가능하면 지루하지 않으면서 고급스럽고 격조있는 곡이어야 하고 연습과정이 험난하지 않은 곡일수록 좋겠죠. 이런 곡을 찾기 위해 전부터 뒤졌던 곡들을 다시 또 뒤지죠. 템포도 다양하면서 주제에 맞는 통일된 구조가 되게끔 프로그램을 짜야하니까 고민 고민합니다. 언제나 프로그램 짜는 일은 어렵습니다.
3.선곡된 곡을 연주회 전에 어떻게 연구하고 있는지 그 과정을 알고 싶습니다. 악보에 Marking도 하십니까?
-정확히 말해서 선곡이 이루어지기 전에 곡에 대해 어느 정도 알고 있어야 선곡을 할 수 있습니다. 즉 선곡 전에 이미 어느 정도의 연구는 되어져 있을 수 있단 애기입니다. 일단 선곡이 되면 이제는 좀 더 세밀히 곡을 연구합니다. 이것은 어떤 경우에는 합창단과 연습을 하면서 진행될 때도 있죠. 즉, 지휘자도 잘 모르는 곡을 할 때가 있기 때문입니다. 하지만 대개는 평소에 관심 있는 곡들을 선곡을 하게 되므로 이미 알고 있는 경우가 훨씬 많죠. 저는 곡을 연구하기 위해서 먼저 악보를 보고 피아노로 치면서 전체 곡의 윤곽을 파악합니다. 일단 낫선 부분이 없도록 곡에 익숙할 수 있게 여러 번 반복해서 혼자만의 연주를 하죠. 어느 정도 익숙해지면 두 번째 단계로 분석에 들어갑니다. 하지만 분석은 이미 피아노로 치면서 어느 정도 이루어지죠. 마킹도 당연히 피아노로 치면서 곡을 익힐 때 하죠. 이것도 상당부분 피아노를 치는 과정 속에서 자연히 이루어집니다. 곡의 해석은 분석에 근거를 두고 있습니다.
4.작곡가마다 연주기호를 표기하는 사람과 안하는 작곡가들이 있습니다. Tempo, Dynamic, Expression mark등의 유무에 따라서 그 설정이 다르겠지만 무엇을 보고 어떻게 그 기호 설정을 하고 있는지 그 방법을 알고 싶습니다.
-이것을 짧은 지면에 싣기에는 매우 한계가 많습니다. 그래서 단편적인 부분만 가장 간단히 얘기를 해보죠. 작곡자가 악보에 연주를 위한 정보를 많이 적어 놓을수록 연주자는 연주하지가 편하죠. 하지만 그렇지 않았어도 지휘자는 분석을 통해 그 정보들을 찾아내어 악보에 기록합니다. 분석은 전통적인 방법을 사용하죠. 먼저 작품의 시기와 장르 등 일반적인 사항들에 대한 정보는 기본이죠. 예를 들어 독일의 바로크음악인지 낭만음악인지 아니면 미국의 흑인영가인지 하는 기본적인 정보겠죠. 일단 유럽의 전통합창곡 중 바로크합창곡을 이라고 가정해 봅시다. 작곡자가 지정한 내용들이 있다면 그것은 매우 유용한 정보입니다. 하지만 바로크시대에는 곡에 대한 정보가 악보에 거의 없기 때문에 Tempo의 설정부터 고민입니다. 바로크 시대에 가사는 Tempo, Dynamic, Expression의 모든 부분에 가장 중요한 정보입니다. 바로크시대에는 극음악이 매우 발전했으므로 연주할 곡이 극음악의 성격을 띄었는지 아닌지를 파악하는 것이 중요합니다. 그것은 작곡자가 가사를 어떻게 곡에 적용시켰는지를 파악하기 위함인데 극음악적 표현일수록 Tempo는 가사가 갖고 있는 원래의 Sprach Tempo(슈프라흐 템포/말의 속도)에 영향을 받죠. 이해를 돕기 위해 잠간 설명을 하면 Sprach Tempo(슈프라흐 템포)에는 몇 가지가 존재하는데 먼저 Dramatisch Sprach Tempo(드라마티쉬 슈프라흐 템포/극적인 말의 템포)와 Lyrisch Sprach Tempo(리리쉬 슈프라흐 템포/서정시적 템포)가 있고 Dramatisch Sprach Tempo(드라마티쉬 슈프라흐 템포/극적인 말의 템포)에는 Umgang Sprach Tempo(움강 슈프라흐 템포/일상대화체 속도)와 Bühnen Sprach Tempo(뷔넨 슈프라흐 템포/무대에서의 대사를 위한 말의 속도) 등이 있습니다. 성악음악은 작곡자가 가사의 표현을 위해 어떤 뉘앙스로 음악과 가사를 연결했는가를 파악하는 것이 매우 중요합니다. 여기에 전체 곡에 나오는 음표의 빈도수(빈도수가 많을수록 템포는 느려진다)나 화성 변화의 속도(화성의 속도가 빠를수록 템포는 느려진다) 등도 고려되어야 합니다. 음악적 흐름과 가사의 흐름의 가장 적절한 일치점을 찾는 것은 개인적 성격과 감각에 달려 있는데 곡의 전후의 흐름을 생각하면서 현재 시점의 상황을 고려하여 템포를 유출해 내죠. 말로 할 때는 당연하고 쉬운 얘기 같지만 생각보다 그리 만만하진 않습니다. 곡의 강세를 설정할 때도 가사의 억양과 강세를 따르고 선율의 흐름과 화성의 색깔과 리듬구조 등을 파악하여 결정하죠. 이런 얘기는 논문 하나 거리가 될 정도로 분량이 많기 때문에 간단한 서술이 어렵군요, 어쨌든 분석에 근거한 기본적인 해석을 하려고 노력하고 그에 의해 연주 기호들을 적어둡니다.
5.국내 창작곡을 많이 지휘했고 대곡들도 여럿 지휘했는데 해석을 할 때 어느 점에 더 비중을 두고 해석을 하는지 듣고 싶습니다. 그리고 해석 접근시 주관적인지 객관적인지 아니면 절충식 해석을 하는지도 듣고 싶습니다.
-결론적으로 얘기하면 일차로 객관적인 해석으로 표현하려고 애쓰고 그것으로써 감정 표현이 부족할 경우에는 주관적인 해석을 가미한다고 봅니다. 잘 작곡이 된 작품은 주관적인 해석이 없이 악보대로 충실히 연주해도 그 곡을 표현하기 위한 충분한 감정이 생기기 마련이죠. 가끔은 무엇을 표현하려고 했는지 도무지 모르겠는 곡을 연주할 때가 있는데 이럴 땐 임의로 해석을 하게 되는 경우도 있습니다. 그런데 이런 곡은 가급적 연주를 회피하죠.
6.리허설 테크닉에 대해서 듣고 싶습니다. 그 방법을 말씀해 주시고 집중적으로 강조하는 것은 무엇인지요. 연습과정을 알고 싶습니다.
-리허설은 좋은 연주를 위한 중요한 과정입니다. 아무리 작품이 좋아도 잘못된 리허설은 연주를 망칠 수도 있으므로 이를 위한 테크닉 훈련이 필요합니다. 지휘자에게 좋은 리허설을 위한 첫번째 조건은 곡에 대한 정확한 음악적 느낌과 해석력을 갖고 있는 것입니다. 즉 다시 말해서 곡을 잘 알고 있으면 무엇을 어떻게 연습시켜야 할지를 알게 됩니다. 두번째는 훌륭한 지휘 테크닉 이라고 생각합니다. 아무리 곡을 잘 알고 설명을 잘해도 무대 위에서는 모든 단원들이 명료하게 알아 볼 수 있는 작은 동작 하나만이 필요할 뿐입니다. 이 작은 동작은 평소의 리허설을 통해 단원들에게 익숙해져 있어야 하겠죠. 저의 리허설 과정을 잠깐 소개하면 어떤 합창단이냐에 따라 매우 달라지겠지만 시립합창단을 연습시킬 때를 보면 먼저 전체 곡을 여러 번 훑습니다. 전체 윤곽을 알기 위함이죠. 이때 곡을 몰라 진행이 잘 안 되도 인내를 갖고 끝까지 진행하려 애씁니다. 이것을 통해 어디가 어렵고 어디가 쉬우며 세부 파트연습이 필요한 곳과 개인연습이 필요한 곳 등 곡의 완성을 위한 계획이 대충 잡히죠. 그 다음은 필요한 부분 연습들을 하면 됩니다. 불필요한 연습은 연습을 지루하게 만들죠. 반복 연습을 할 땐 이유가 분명해야 합니다. 진행하다가 끊은 경우도 이유가 분명해야 하죠. 왜 끊었는지 왜 반복하는지를 설명 안 해도 모두가 알 수 있을 정도로 연습 진행과 내용이 공감이 되어 있으면 제일 좋죠. 전체를 훑는 과정도 중요하지만 부분 연습을 통해 섬세한 표현을 위한 제시와 연습 또한 매우 중요합니다. 부분연습과 전체연습이 한 쪽으로 치우치지 않도록 적절한 조화를 이루어야 하죠. 합창에 있어서 일체감이 매우 중요한데 이는 소리를 어떻게 제시하고 음가와 악상표현을 어떻게 분명하게 제시하느냐에 달려 있죠. 여기에는 지휘자의 표현 능력과 설명을 얼마나 잘 하느냐 하는 기술적인 문제가 달려 있습니다. 연습 중에 적절한 설명을 효과적으로 함으로써 동기부여를 계속적으로 하는 것은 연습의 흐름에 에너지를 갖게 합니다. 단 지나친 설명은 흐름을 방해하니까 조심해야 하죠. 연주에 임박하여 연습이 어느 정도 잘 되었을 땐 처음부터 끝까지 전체를 마치 연주하듯이 훝어 보는 것도 잊지 않습니다. 최종적으로 다시 한 번 연주를 점검하는 단계이죠.
7.미국의 합창지휘자 Donald neuen은 합창 연주에 있어서 beauty, energe, peacement를 강조한 일이 있습니다. 진정한 합창소리의 미는 어떻게 발성해서 표현접근한 소리라고 생각하십니까?
-기본적인 발성의 원리는 어느 정도는 비슷하다고 보여 집니다. 단 곡의 장르에 의해서 그 곡을 다르게 표현하기 위한 그 곡에 맞는 가장 적절한 소리가 있을 것입니다. 그것을 찾아내는 것이 무척 중요하죠. 일반적으로 복식호흡에 의한 자연스러운 성대울림과 목에 힘을 뺀 상태에서 목을 열고 전두강을 울리도록 포지션을 앞으로 하는 것은 거의 비슷한 발성원리하고 생각합니다. 단지 유럽 전통합창을 위해서는 충분히 열린 깊은 공명의 소리가 더 어울릴 것이고
조금더 파플러한 곡일수록 약간은 직접적인 성대울림을 좀 더 사용하는 것이 어울리겠죠. 중요한 것은 곡에 어울리는 소리를 찾아 모든 단원들이 통일성있게 표현하는 것이 중요하다고 생각합니다.
8.해석하는데 있어서 기존의 DVD, CD, LP 등의 재료들을 어떻게 활용하십니까? 장단점도 있을 텐데요.
-곡을 해석하는데 있어서 미리 DVD, CD, LP 등의 자료들을 접하면 선입견이 생김으로 자신만의 해석을 하는데 장애가 됩니다. 이런 자료들을 보기 전에 곡에 대해서 충분히 연구하고 자신만의 해석을 어느 정도 확립한 후에 자료들을 참고삼아 활용하는 것이 좋습니다. 자신의 해석이 분명치 않은 경우 템포나 기타 음악적인 부분들에 있어서 흔들리는 경우가 많이 있습니다. 남의 해석이 좋은 경우도 있지만 그것을 판단하기 위해서는 자신이 곡을 잘 알고 있어야 하는 것이 필수이겠죠.
9.자신만의 해석 논리를 말한다면 무엇이라고 하시겠습니까? 그리고 자신에게 영향준 사람은 누구이고 Role Model은 누구였는지 듣고 싶습니다.
-자연스러움을 먼저 꼽고 싶습니다. 극단적인 해석은 작품을 부자연스럽게 만들 수 있죠. 이를테면 가사의 특징을 살린 강세표현이나 템포들도 너무 지나치지 않게 설정을 하여 가장 자연스럽게 표현되도록 하는 겁니다. 두 번째는 음악적 흐름입니다. 음악이 흐른다고 하는 것은 변화한다는 말인데 변화란 에너지가 움직이는 것이죠. 다시 말해서 4박자의 곡은 강,약,중강,약의 흐름을 유지해야 에너지가 생기고 각 각의 강,약,중강,약은 또 다른 느낌의 그 다음의 강,약,중강,약으로 진행해야 됩니다. 세 번째로 곡의 흥미입니다. 아무리 논리가 있어도 흥미롭지 못하다면 재미가 없죠. 감정에 자극이 되도록 곡을 만들어 가는 것은 매우 중요한 마지막 해석의 단계가 아닐까요? 스승인 Frieder Bernius는 독일 유학을 하면서 만하임 국립음대에서 만났습니다. 1988년에 한국에서 세계합창제에 슈트트가르트 캄머코어를 이끌고 예술의 전당에서 연주할 때 관객으로 보면서 정말 잘한단 생각을 했는데 독일에서 나의 스승이 되신거죠. 음악적인 많은 부분을 배울 수 있었고 그 분이 이끄는 합창단도 매우 멋진 단체입니다. 이것들은 나의 동경의 대상이고 하나의 롤 모델이죠.
10.끝으로 합창지휘 철학을 듣고 싶습니다. 자신에게 합창과 지휘는 무엇이고 어떤 지휘자의 모습을 보여 주고 싶습니까?
-합창은 나의 음악의 표현입니다. 하나의 삶의 표현이고 드라마이고 현실에서 이루지 못한 꿈의 완성입니다. 지휘를 통해 다양한 여러 가지 작품을 연주하면서 가보지 못한 여정을 하게 되죠. 이것에는 희열과 기쁨과 환희가 있고 슬픔과 갈등과 애환 그리고 사랑이 있으며 삶과 죽음도 있습니다. 이런 모든 것이 합창 안에 있고 그것을 지휘로 표현하며 느끼고 누립니다. 지휘와 나는 실과 바늘이죠. 늘 함께하며 함께 할 때 의미가 생기고 존재가치가 생기죠. 마지막으로 이 모든 것은 하나님께로부터 왔다고 생각합니다. 그래서 아름다운 합창은 하나님을 찬양하는 것이라고 생각합니다. 저는 최고의 합창을 위해 노력하고 그것을 통해 하나님을 찬양하는 지휘자가 되고 싶습니다.